Categoria: cultura

A aprendizagem cultural e as actividades para um público infanto-juvenil são cada vez mais procuradas. O número crescente de actividades e espectáculos para os mais novos merece agora um olhar mais atento. O CCB é uma das instituições com uma aposta mais forte neste segmento, através do Centro de Pedagogia e Animação, que procura incentivar o consumo cultural e a aprendizagem através da sua programação para o público infanto-juvenil. Destacamos agora algumas das experiências que consideramos mais enriquecedoras, para participar durante o mês de Maio.

Nas oficinas do Centro de Pedagogia e Animação do CCB podem encontrar-se algumas actividades que têm por origem ou por fim a leitura. O público-alvo são crianças, pais, professores, contadores de histórias, ilustradores, bibliotecários, todos aqueles que têm alguma relação com os livros. Amanhã, 19 de Maio, durante a tarde, as salas do CPA recebem professores, contadores, ilustradores e bibliotecários. “Contos de meter medo ao susto” é uma oficina de criação literária, através da análise dos objectos mágicos que vivem dentro dos contos que por alguma razão provocam o medo. A partir do livro “A Bruxa Arreganha-Dentes”, das suas imagens e da personagem, far-se-á um trabalho de recontar a história. Será ainda proposto um trabalho de criação de novos objectos mágicos, com os quais se constrói uma nova personagem e um novo conto de meter medo ao susto.
Também amanhã, durante a tarde, realiza-se uma outra oficina para pais e mães que gostam de contar histórias e para os seus filhos. “Histórias para pais e mães” é uma oficina em que é proposto a estes pais um percurso através da história das suas histórias, desde que as ouviram até que as começaram a contar. Esta oficina incide muito sobre o trabalho de voz e de expressão corporal, porque afinal os contos moram no corpo e é com ele que se podem fazer viver os textos que atravessam a nossa vida e que se transformam tantas vezes na nossa própria história.
Simultaneamente, acontece uma oficina de “Histórias para filhos”, onde os mais pequenos contadores de histórias se preparam para contar uma história aos pais e mães que precisam dela para viver e para adormecer.
No domingo também há uma actividade especial e cujo formato se tem vindo a repetir. “O Mercadinho da Primavera” é feito para meninos e meninas de todas as idades. A ideia é trazer tudo de casa: brinquedos, livros, comidinhas, canções, histórias. Qualquer coisa para a troca que se efectua nos jardins do CCB.
“Biblioteca de Mala Aviada” é para crianças a partir dos seis anos e outra actividade que tem como fim o impulso da leitura. Durante os meses de Maio e Junho, a biblioteca poderá ser usada em três formatos: a “Mala Aviada 1” consiste na ideia do professor ir buscar a mala ao Centro de Pedagogia e Animação (CPA) e pode utilizá-la na sua sala de aula como desejar, durante uma semana; a “Mala Aviada 2” proporciona o inverso, as crianças deslocam-se ao CPA e a mala passeia nas redondezas do Centro Cultural de Belém, com um bibliotecário especializado; por fim a “Mala Aviada 3” é a última hipótese, em que a mala se desloca à escola com um bibliotecário especializado. Esta biblioteca terá uma vida imensa, desaparecendo e reaparecendo em malas de viagem. Podem partir em qualquer direcção, desde Belém até ao ponto mais a norte de Portugal.
Dentro destas malas encontram-se mais que livros, encontram-se alimentos para a vontade de ler livros de outra forma. Os livros preparam-se para se entregarem de novo às árvores que lhes deram origem. A partir de um livro deitado numa mala, as crianças serão convidadas a criar folhas para colocarem numa árvore perto de si, que se transformará numa verdadeira história inventada por todos. Os livros afinal andam atrás da sua origem: a madeira. Quem passar por lá durante esse dia poderá ler um livro, ou apenas uma folha, ou toda uma história. O que interessa é o contacto com os livros.
Ainda em Maio a sala do Centro de Pedagogia e Animação recebe “A Galinha da Minha Vizinha”. Este é um espectáculo com criação e interpretação da companhia Circolando e de Graça Ochoa. Num mundo em que qualquer vizinha tem uma galinha melhor que a minha, costuram-se sonhos. Um espectáculo no qual a casa e o espaço se constroem com amigos imaginários que ocupam as horas livres. Sozinhos sentimo-nos mais livres e conseguimos deixar sair dos nossos baús fechados muitos sonhos e todas as histórias.
Depois de as crianças assistirem ao espectáculo “A Galinha da Minha Vizinha”, propõe-se a realização de uma oficina de dança. onde os principais estímulos para o movimento serão elementos do espectáculo. De 21 a 27 de Maio, para crianças dos 6 aos 12 anos.
E em Junho há mais! Momentos de cultura e de aprendizagem, mas também de diversão e brincadeira. Como estas há outras propostas de várias instituições culturais pelo país, basta estar de olhos postos nos mais pequenos. Um percurso cada vez mais trabalhado ao nível educativo pelas escolas e pelos pais. Não fique aí parado. Participe!

Uma casa, seis mulheres e Lorca revisitado de forma moderna. O clássico do autor espanhol “A Casa de Bernarda Alba” é adaptado pelo grupo Teatro à Parte que, simbolicamente, homenageia o autor, dando o nome “A Casa de Lorca” à peça. No contexto da Guerra Civil espanhola, o confronto intemporal entre liberdade e repressão é transposto para palco. O SEMANÁRIO aproveitou para conversar com o encenador da peça, Jorge Parente, de forma a desvendar algumas das inovações que o Lorca do século XXI nos traz.

Porquê Lorca, um autor tão desconcertante?
Fazer Lorca é um desafio estimulante para qualquer encenador e para qualquer amante de poesia e depois porque, quando li esta obra, era fascinante ver como Lorca criava uma desenvoltura e agilidade enorme na linguagem, tornando vivas as próprias personagens da peça. Foi, no fundo, a partir da leitura que nasceu a curiosidade por encenar este espectáculo, que fala de sentimentos, de valores e beleza.

Há, portanto, uma preferência pessoal por este autor?
Sim, podia escolher outro e estando a dirigir um grupo amador de teatro não tenho interesse em criar texto próprio, caso contrário estaria a dirigir um grupo profissional de teatro. Eu, de facto, gosto de sentir uma peça a cativar-me ou a motivar-me pelas personagens e pelo texto.

Na sua lógica “desconstruir para construir”, em que pontos pegou para alterar o texto original?
O meu processo de encenação tem sempre essa máxima e isso de facto dá-me grande gozo. Eu vou procurar respostas no texto e depois vou mais longe do que o próprio autor me dá a entender. O gozo de pegar numa peça é para mim cortar cenas, cortar personagens, reinventar outros espaços, dar vozes a personagens que não tinham voz. Na “Casa do Lorca” eu tive a ousadia de criar cenas, mas com uma particularidade que é o facto de as cenas criadas por mim terem sido feitas com base em palavras de outros textos do próprio autor. Nunca palavras inventadas por mim, mas sim palavras do próprio Lorca.

A intenção em colocar os actores como alter-egos das mulheres da casa tem que propósito?
Eu estou a trabalhar com um grupo de 23 elementos onde a maioria são homens. Desse modo, e tendo em conta que as personagens principais da peça são mulheres, que faria aos homens? Houve uma necessidade de criar um espectáculo para todos os elementos do grupo e é esse processo que me dá gozo. Já foram feitas várias versões de “A Casa de Bernarda Alba” mas, de facto, esta forma com que montei o espectáculo é de facto muito minha e original. Ao funcionarem como alter-ego das mulheres, funcionam também como mecanismo de espelho, inverso a cada uma delas e, ao mesmo tempo, duplo de cada uma das personagens. Retirei praticamente os diálogos e transformei-os em monólogos que representam cada uma das filhas. No fundo eles mostram ao público aquilo que elas são, aquilo que escondem e não dizem à mãe castradora que têm. Representam a crueldade, a raiva escondida no inconsciente das mulheres. Funcionam como uma psique daquele universo feminino. Esta é de facto a grande curiosidade pois, mulheres que vivem a esconder os seus sentimentos são aqui demonstradas de forma muito mais provocadora, e o teatro é também feito de provocação.

Acha que no actual contexto social esta peça ainda funciona como espelho da realidade?
Esta peça funciona de facto como espelho. Há uma série de mulheres que podem identificar-se com a peça. No fundo acaba por ser o costume. O luto que a Bernarda mãe provoca nas filhas era na altura um costume real e uma tradição levada a extremos. É dentro deste excesso que leva a que aquelas mulheres sejam altamente reprimidas e que uma série de conflitos interiores nasçam nelas de forma extrema até à morte, até porque a morte está sempre presente em Lorca.

Parecia aliás que Lorca já previa que esta seria a sua última peça…
Esta foi a última peça dele e por isso a peça funciona como homenagem, daí chamar-se a “Casa de Lorca” e não “A Casa de Bernarda Alba”. Pegando numa frase do próprio autor, “depois de morrer, continuarei a viver”. Penso que ele quis dizer com isto para os leitores e para o público continuarem a ler e a acompanhar a obra dele. Seria a forma de ele continuar vivo depois de morto. Inicio até o espectáculo com uma cena inventada em que começa com o fuzilamento dele e onde diz precisamente essa frase. Ao longo da representação ele interfere na peça, não em diálogo, mas num plano simbólico com incidência sobre o universo dele. Ele vai “parir as personagens femininas” que criou.

E a nível cénico como é que criaram a Casa?
Eu trabalho com as imagens e alguém me disse um dia que eu era um “arquitecto do espaço cénico”. Quando pego numa obra, não quero que ninguém crie um espaço por mim. Gosto de fazê-lo. Eu vejo tudo e quando ensaio imagino desde logo o espaço. E nesta peça o espaço é de certa maneira minimalista e aproveito esse facto para o colocar de forma simbólica, tendo como forte presença uma jaula. O lado da jaula representa a prisão e então quis mostrar isso de forma simbólica. São os homens que utilizam mais a jaula, já que representam o lado mais surrealista da peça, ao passo que as mulheres estão no plano naturalista.

Bill T. Jones está de regresso a Portugal. “Blind Date” é o espectáculo que estará em cena nos dias 4 e 5 de Maio, no Centro Cultural de Belém. Bill T. Jones e Arnie Zane Dance Company.

Bill T. Jones é um dos maiores expoentes da dança contemporânea e uma das vozes mais acutilantes das questões actuais, que regressa agora a uma panóplia de temas morais e políticos, com este novo trabalho sobre valores e multiculturalidade. “Blind Date” parte para a exploração de temas como a pátria e o amor a ela, a honra, o sacrifício e o trabalho dedicado a uma causa maior do que nós próprios, como se fossem quase valores praticamente perdidos no mundo moderno e na sociedade construída.
“E onde é que fica a noção de singularidade num mundo tão múltiplo e tão fragmentado? Em certos aspectos, o trabalho do artista é tentar reconstruir. […] Talvez seja isso o que ‘Blind Date’ faz” , declara Bill T. Jones.
A companhia que o acompanha, constituída por dez bailarinos com uma técnica invulgar (Asli Bulbul, Leah Cox, Maija Garcia, Shaneeka Harrell, Shayla-Vie Jenkins, Wen-Chung Lin, Erick Montes, Charles Scott, Donald C. Shorter Jr, Stuart Singer e Andrea Smith), é uma companhia multicultural, com quase 25 anos, inclui bailarinos da Turquia, China, México.
Trocam histórias pessoais e movimentam-se num cenário sensorial de cores primárias e influências musicais e vídeos oriundos de todo o mundo. Este é de facto um “Blind Date”, onde sabedoria e eloquência encontram um fundamentalismo embrutecido nesta explosiva meditação sobre forças e crenças opostas. No fundo é uma troca, em que os backgrounds são como puzzles com peças opostas, mas onde há espaço para conhecer. O resultado é uma experiência de dança/teatro com muitas facetas, que, “ao combinar preocupações políticas e morais com ingenuidade coreográfica, e aptidão teatral” é, ao mesmo tempo, comovente, divertido e triste.
Bill T. Jones é bailarino, coreógrafo e director artístico. Começou a estudar dança na State University de Nova Iorque, em Binghampton, onde estudou bailado clássico e dança moderna. Antes da fundação da sua companhia (Bill T. Jones/Arnie Zane Dance Company), coreografou e actuou em vários palcos, como solista e em duo com o seu falecido companheiro Arnie Zane.
Já coreografou para a sua companhia inúmeros trabalhos, assim como a convite de companhias de bailado clássico e moderno.
Ao longo da sua carreira tem obtido prestigiados prémios. Em 1979, foi-lhe concedido o “Creative Artists Public Service Award” em coreografia e, em 1980, 81 e 82 o “Choreographic Fellowship do National Endowment for the Arts”. Em 1986, Bill T. Jones e Arnie Zane foram galardoados com o “New York Dance and Performance (“Bessie”) Award” pela temporada do Joyce Theater e, em 1989 e 2001, obteve ainda mais dois “Bessies”, um pelo seu trabalho em “D-Man in the Waters” (1989) e outro por “The Table Project” e “The Breathing Show” (2001). Em 1993, foi premiado com o “Dance Magazine Award “e em 1994 recebeu a “Mac Arthur Fellowship”. Em 2000, The Dance Heritage Coalition intitulou-o “Um Insubstituível Tesouro da Dança”. Em 2003 obteve o “Dorothy and Gillian Gish Prize” e dois anos depois venceu o “Wexner Prize”, o “Samuel H. Scripps American Dance Festival Award for Lifetime Achievement” e um “Harlem Renaissance Award”.
Este “Blind Date” é um encontro com vendas, mas onde se pode tirá-las na promoção da liberdade, da tolerância e paz.
“E o que dizer da nossa sociedade opressiva e militarista? Sempre fui crítico dessa sociedade. Só o facto de tentar viver exclusivamente da arte é, em certo sentido, uma rebelião contra essa sociedade. Digo-lhe isto como uma forma de mostrar que Blind Date é o que é porque, consciente ou inconscientemente, estou a lutar contra esta percepção do mundo e a minha própria incompreensão do que a dança significa na minha cultura”, conta Bill T. Jones.
Bill T. Jones estará em Lisboa por duas noites (4 e 5 de Maio, às 21h, no CCB) para relembrar alguns valores, através de corpos e mentes dançantes.